En fín, lo que mas me gustó de hacer esta lista fue la participación de ustedes amigous, me enseñaron un chingamadral de cosas nuevas que no tomaba en cuenta acerca de estos discos que según yo ya conocía muy bien. Gracias por estar al pendiente y por darnos energía para mantener este espacio, aún con la cantidad obscena de conflictos que tuvimos este año pudimos salir adelante y desde hace mucho hay calma y un ambiente de genuino interés por conocer mas acerca de nuestra pasión en común, LA HERMOSA MÚSICA.

Con esto dicho, aquí están los 5 discos mas feos que pueden encontrarse, todos llevan el número uno porque todos son igual de hermosos ante mis oidos:

1. A Silver Mt. Zion – Born into trouble as sparks fly upwards

El título viene de un pasaje de la biblia, creo del libro de Job. El nombre de la banda viene de un cotorreo judío. La banda en sí viene de hacer cosas mas “de cámara” comparado con GY!BE. Este disco en general tiene una atmósfera que me paraliza, el color de su sonido me trae a la mente imágenes de soledad y devastación con un pequeño toque de esperanza al final; cuando grabaron este disco aumentaron la alineación de la banda con otra guitarra, otro violín y otro cello, lo que permitió profundizar en los arreglos como si se tratara de una obra completa para ensamble de cuerdas en una cámara común y corriente, los títulos de las canciones se convirtieron en frases que repetí a lo largo de la década y sobre todo cuando iba en la prepa lo que se me hacía muy chistoso ya que a nadie le interesaban mis frases que tan orgullosamente decía para sentirme un poquito mas cerca a la banda; desde “Sisters! Brothers! Small boats of fire are falling from the sky!” las canciones se abren paso ante un mundo desolado el que nos exige que luchemos para rescatarlo y nadie se atreve, mientras avanza aparece “Take this hands and throw them into the river” y me parece una canción que simboliza la locura de la humanidad mientras se rinde, enseguida viene uno de los momentos mas intensos en toda la obra de ASMZ “Could’ve moved mountains”, NO MAMAAAAR que canción tan preciosa, no existe una canción mas triste que esta, creo que en general habla de alguien que tenía un potencial enorme para crear y por el miedo dejó de hacerlo a pesar de que “podría haber movido montañas”, enseguida viene la tristísima “Tho you are gone i still often walk with you” con una similitud increible con “For Wanda” de su disco anterior, al final aparece ese rayo de luz de esperanza con “The Triumph of our tired eyes” haciendo un diálogo en retórica en la que el protagonista hace una evaluación de su contexto, reflexiona acerca de la belleza de su tierra a pesar que es difícil apreciarla y hace un llamado a sus hermanos y hermanas para regresar a las trincheras, defenderse y recuperar lo que se ha perdido (supongo yo) a manos de la irresponsabilidad de unos cuantos, gritando en coro “MUSICIANS ARE COWARDS” esa frase se me hace de lo mas interesante ya que creo que se refiere a que los músicos solo se la pasan nombrando los problemas y reclamando justicia pero nunca hacen algo al respecto, interesante que, paradójicamente, viene de unos músicos de algo así como protesta.

1. Godspeed You! Black Emperor – Lift your skinny fists like antennas to heaven

Después de no se cuantos años de gira incesante entre Europa y Gringolandia, cosechar críticas elogiantes y unánimes por doquier, se metieron al estudio y grabaron el que considero EL MAS IMPRESIONANTE DISCO de su obra y aplastante triunfador sobre otras bandas de este género, no existe punto de comparación con cualquier otra cosa en este planeta. Storm, Static, Sleep, Antennas to Heaven, composiciones que envuelven grabaciones de voces fuera del estudio, arreglos casi casi casi orquestales, cuatro canciones que desenmascaran a un mundo podrido y moribundo aquejado por nuestra propia indiferencia; citas grabadas de varias partes de EUA y Europa que sirven de prueba acerca de la triste realidad social que nos negamos tanto a ver por lo devastador que ha sido el efecto que la humanidad tiene sobre la humanidad misma. La forma en que nos muestran las contradicciones de nuestras vidas políticas y culturales es novedosa e irrefutable, este disco no muestra ningún rayo de esperanza como el anterior, creo que su mensaje es “YA VALIÓ VERRRRGA” y solo podemos esperar el cruel desenlace. Este fue el primer vinil que tuve de GY!BE y me lo trajeron de regalo en el 2000, estaba fenomenal el arte y desgraciadamente me lo robaron.

1. Aphex Twin – Drukqs

(CD 1)

(CD 2)

Tantas bendiciones me ha traido este disco que es imposible nombrarlas todas; el cariño que le tengo comenzó cuando parecía imposible encontrar a alguien que también le gustara, hasta la fecha solo me he encontrado con personas que les agradan algunas canciones pero nunca en su totalidad; no se que tengo de extraño pero este disco me gusta muchísimo incluso las partes mas extrañas de su tracklist. Empezando con que es el disco mas personal de Richuuuuurd, los nombres de la mayoría de los tracks no son simples secuencias de números y letras a lo guey sino que están en el idioma natal de Cornualles de las tribus celtas que vivían ahí hace un chingo de años, el título del disco a pesar de que Richuuurd dice que es una palabra que inventó muchos otros piensan que es un juego de palabras refiriéndose a “Drug Use”, otros tracks tienen títulos curiosos como por ejemplo “FATHER” se llama así porque ese track le gustó al papá de Richuuuurd, entre las traducciones tenemos que Vordhosbn es “barco”, Jynweythek (Ylow) significa “máquina electrónica de música”, Cymru es Gales , Hy a Scullyas lyf a Dagrow significa “ella tiró mi bebida” o “ella derramó un mar de lágrimas” algo así. La complejidad de la música en este disco raya en lo frenético, se suele decir que parece mas un álbum de B-Sides cuyas canciones no tienen enlace unas con las otras, esa parte me agrada ya que escucharlo en aleatorio o por completo producen cosas muy distintas aunque yo no creo que sea un disco de esa índole. Lo mas impresionante son los tracks que destacan como frenesí extenso como 54 cymru beats o la de las montañas, haciendo un contraste perfecto con las hermosísimas avril 14th y la canción final Nanou2, estas dos obras son las que me hicieron investigar mas acerca de la música para piano y gracias a eso descubrí a Erik Satie, Nanou2 es muuuy interesante ya que suena mucho a minimalismo pero lo que pocos saben es que ese track es IMPOSIBLE DE TOCAR para una sola persona ya que se necesitarían unas manos mutantes gigantescas para poder tocar esos acordes, fue una manera que Richuuuurd nos enseñó que una computadora también puede hacer cosas hermosas y profundamente humanas.

Curiosamente estos últimos discos los obtuve en el mismo periodo de Octubre-Diciembre del 2001

1. Tom Waits – Blood Money

AAAAAAH LO SIENTO, no pude dejar fuera ninguno de los dos discos de Tom Waits, así que en el conteo original puse el primer lugar compartido entre Blood Money y Alice. Los dos discos comparten la característica de haber sido la música de obras de teatro y que después se convirtieron en disco, este salió de una obra llamada Woyzeck de George Buchner, el cual la dejó inconclusa debido a su muerte, la obra trata acerca de los abusos infrahumanos de doctores y la milica en un hombre joven, basada en solo algunos aspectos en la vida real. Este disco lo considero la primera parte del soundtrack de mis borracheras mas intensas, cuando muchos me consideraban “persona non grata” empecé a aislarme y vivir fiestas personales jojojo, es el primer disco que escuché de Tom Waits y por lo tanto el que me llevó a conocer a uno de mis grandes ídolos sin el cual no podría ver la vida de la manera en que lo hago en la actualidad. La manera en que lo conocí no es muy agradable y de hecho me produce mucha tristesa, hace muchos años vi un reportaje en televisión de una muchacha argentina que había viajado a EU a visitar unas amigas y un guey las asesinó, en ese reportaje decían que la muchachita tenía un novio en Argentina y su canción predilecta era Coney Island Baby de Tom Waits, busqué el disco donde venía la canción y la escuché y de inmediato sentí unas ganas incontrolable de caer enamorado de alguien jajaja hasta la fecha mi gran secreto era que si conocía alguna mujer que le gustara esta canción sería la mujer de mi vida aunque ya a estas alturas ya descubrí que pensar así trae muchos problemas XD. La letra de sus canciones muestra claramente las influencias en letras de Tom Waits, con los escritores Kerouac, Bukowski y Borroughs como referencia principal, viendo la vida como un lugar agresivo y lleno de dolor con muy pequeñas dosis de tranquilizantes en forma de felicidad. Este disco me mueve de distinta manera que el “Alice”, me parece que tiene mas percusiones y situaciones diversas, así que a continuación explicaré por qué pienso que ALICE es el disco que mas me gusta de estos años.

1. Tom Waits – Alice

Podría haber puesto este disco 100 veces en la lista y no me causaría molestia. Basado en una obra un tanto extraña y polémica llamada ALICE que trata del polémico y debatible tema del supuesto amor prohibido entre Lewis Carroll (el que escribió Alicia en el país de las maravillas) y Alice Lidell (la que inspiró el personaje principal del libro), este disco es la recopilación de la música que se utilizó en esa obra y en realidad estas canciones nacieron por ahí de 1992 pero se lanzaron en disco en el 2002 junto con el Blood Money, cuando los compré me los dieron los dos al mismo tiempo y nunca nunca NUUUUUUUUUUUUUNCA he obtenido una ganga como esta en toda mi vida. Empieza con Alice, una canción misteriosa y extremadamente cautivante a manera de jazz-blues nocturno, la letra habla de la misteriosa aparición por todos lados de Alice en la vida del protagonista de la canción, el disco avanza bajo esta misma atmósfera de música klangbangesca y baladas cuasifúnebres con letras todas decisivamente tristes y Kerouacquescas, llega un punto en que aparece la divertida Kommienezuspadt y Tom Waits se la pasa balbuceando en alemán hasta lograr vocablos sin sentido en una divertida y caótica escena, vuelve al estado triste y melancólico con Poor Edward y sigue avanzando cuando de pronto aparece una de mis favoritas de su repertorio, Lost In The Harbor, esta canción tiene un profundo significado para mí ya que es otro de esos curiosos casos en los que la letra describe a la perfección una situación que viví precisamente en algo así como un muelle de un pueblito conocido como Chapala acá en Jalisco. Este disco tiene dos canciones cortitas pero de una intensidad abominable, la primera se llama I’m Still Here y solo es Tom Waits, su voz y su piano, clarinete, violín y cello a lo lejos, la letra me produce piel de gallina por la sinceridad abrumadora con la que Waits dice “sigo aquí” no mamaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaaar me vienen tantos recuerdos cada que la escucho, y la otra es el track final, la increible Fawn que la desgraciada de Scarlet Johansson decidió “hacer cover” sin siquiera tocar un solo instrumento, esta canción es instrumental y es para piano, bajo, clarinete, marimba y el papel principal se lo lleva el violín, Carla Kihlstedt hace llorar el violín de una manera tan melancólica que es imposible no llorar al escucharla.

Y con esto se acaba la lista, disculpen por haberlos decepcionado xD

9. Feist – The Reminder

Este disco es lo mas cercano a la belleza absoluta, no he encontrado una sola canción de Leslie Feist que me aburra, la conocí gracias a la música de los maravillosos Kings of Convenience en su colaboración en The Build Up, ni siquiera sabia que también estuvo involucrada en Broken Social Scene y en diversas colaboraciones. Nunca esperé menos de su música, desde que la descubrí y tuve en mis manos el disco Monarch tuve la sospecha que en algún momento de mi vida estaría perdidamente enamorado de su música y su letra aunque en aquel entonces no estaba del todo preparado; con Let it Die ya me había atrapado completamente y cuando conseguí este disco duré varias noches soñando con su voz y la imagen de una mujer canadiense acariciando su guitarra o el piano mientras canta sonriendo. Por alguna extraña razón lo distribuyeron primero aquí (México) que en Estados Unidos y Canadá, salió por ahí de abril del 2007 y de no haberlo comprado no me hubiera enterado que cuenta con las colaboraciones de Gonzales, Brendan Canning, Mocky, Jamie Lidell, Jesse Baird, Eirik Boe de Kings of Convenience, Kevin Drew, Afie Jurvanen, Pierre Luc Jamain, Ben Mink, Lori Gemmel, Sandra Baron, la fabulosta chelista Mary Stein y Julian Brown; sus canciones me recuerdan mucho a la relación que te comenté en el disco de Air, las letras de algunas canciones son de mucha felicidad y alegría y sobre todo el proceso inicial del enamoramiento y las otras canciones son de separación, tristesa y soledad, la rapidez entre el cambio de una canción alegre a una triste me recuerda mucho lo que me pasó en ese cotorreo porque de un dia para otro las cosas cambiaron pachecamente. Sin embargo este disco no me trae sentimientos tristes, todo lo contrario, escucharlo me provoca salir a la calle y disfrutar de todo lo que la vida ofrece si me atrevo a hacer el esfuerzo por obtenerlo.

8. Défilé Des Âmes – Lust ‘n’ Stone

Otro disco cuya incursión cambió en muchos sentidos mi vida, antes de escucharlo no tenía muchas referencias de la música conocida como “neofolk” mas que Death in June y no creas que soy muy muy muy fan de estos últimos, hasta que escuché a los grietos del desfile de las almas pude apreciar la belleza de esta forma musical, gracias a esta banda y a este disco me encontré con un número mayor de bandas de este estilo que me han cautivado como Seelenlicht, Sangre Cavallum, Camerata Mediolanense, Leger des Heils, While Angels Watch, Ordo Rosarius Equilibrio etc. Este disco es UN VIAJESOTEEEEEEEEEEEEEEEEEE, la instrumentación la encuentro muy interesante ya que utilizan un ensamblecillo de cuerdas, guitarras, bajo, batería, percusiones, flauta transversal y clarinete, mandolinas, voces graves, sus composiciones me cautivaron porque utilizan varios recursos que no había escuchado antes al mismo tiempo como utilizar escalas menores junto con algunos elementos tonales de la música oriental en específico de India, además de que plasman algo de la tradición musical griega (¿como suena esa? ASI). Son algo que yo nunca había escuchado de tal manera y con tal intensidad, la letra está en inglés por lo que me costó menos trabajo entender que carajo dicen, en ese sentido la letra está llena de metáforas poéticas y filosóficas; una canción muy interesante es Eilem A est Morte, al principio me sonaba mucho como canción melancólica y no fue hasta que vi un especial de Nat Geo donde pusieron música fúnebre noté que me recordó a este track y ya noté que las palabras “Eilem A” son “Amelie” al revés, o sea que para ellos esa canción sería la marcha fúnebre de la muerte del personaje Amelie. Y para cerrar con broche de oro, son las personas mas accesibles que conozco de tan lejos, solo basta con entrar a su myspace y son muy abiertos al diálogo como si fuera un amigo de internerd mas, me explicaron muchas cosas acerca de la vida del músico en Grecia y como ven la música ellos.

7. Sigur Rós – Takk

No es el disco menos accesible de Sigur Rós, incluso cuando salió generó comentarios extraños en los que se les acusaba de kingsofleonarse en el extinto foro de su antigua página. Creo que las razones que supuestamente llevaron a Takk a ser un disco controversial entre sus admiradores es que está mucho mas orientado a canciones con estructuras convencionales y con elementos “mas sólidos” en contraste con sus anteriores trabajos donde hasta se les podía tachar de drone; pues esta vez hice caso omiso de las críticas porque este disco me marca el punto de salida del problema existencial mas denso que he tenido y con algunas de sus canciones he tenido experiencias extrañas dignas de ser estudiadas por Maussan o el otro que estudia fenómenos paranormales. Con este disco dejé de creer en las casualidades, desde el título “GRACIAS” sentí un alivio emocional y cuando empecé a escuchar la musica noté algo que nunca me había pasado con un disco, empecé a sentir libertad y vi que mis problemas estaban cada vez mas lejos y superados, pude apreciar el sabor de una bocanada de aire matinal y valorar cada segundo que paso junto a las personas que mas amo. Voy a abrirme un poco mas y compartir lo mas SAGRADO que considero me pasó con este disco, en febrero del 2006 falleció mi abuelo y sentí muchas cosas pero sobre todo nostalgia porque me di cuenta que no conocí a mi abuelo, pasé mucho tiempo de mi niñez con el pero mientras crecí me alejé y mientras pasé por ese desmadre existencial pude pasar algún tiempo con él, murió y en su funeral entré en razón, lo perdí y no tuve tiempo para entender lo valioso que era estar con él. Poco tiempo antes habían fallecido dos perritas que tenía que eran LA ONDA TOTAL y que las tuve desde chiquitas, estaba muy triste y me sentía muy solo mientras veía que mis amigos ya tenían vidas aparte y yo me quedaba atrás, entonces puse este disco y me quedé dormido, mientras estaba Se Lest estaba entre dormido y despierto y tuve un sueño en el que me encontraba en un campo con un pastizal casi azul en la noche y después de algunas cosas raras que pasaron en el sueño pude ver a mis perritas y jugar con ellas y en el momento que la canción llega a la parte de “la banda el recodo pero en Islandia” vi a mi abuelo en el sueño y pude abrazarlo y se llevó a mis perritas y me dijo “Yo te las cuido”. No mameeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeeees, al dia siguiente desperté alegre y fui a la escuela y una amiga me dijo “NO MAMES GUEY ya viste el video de Sigur Rós de Hoppipolla?” y me lo enseñó en su compu y si ya lo viste, seguramente ya sabes la felicidad que sentí al verlo, de verdad creo que fue un mensaje de mi abuelo.

6. Kings of Convenience – Riot on an empty street

Regresando un poco la cinta, en pleno desmadre emocional y existencial, este disco me acompañó en los momentos mas extraños de estar en el agujero. Este disco, de principio a fin, describe de manera exacta y precisa TODO lo que pensaba y sentía en aquel entonces, lo hace de manera tan exacta que me da miedo escucharlo porque es imposible no recordar con exactitud esos dias y todas las sensaciones que me provocaba sentirme tan atado de manos, desde la primera canción puedo decir que me pasó lo mismito que dice la letra, estaba todo pirata y con este disco encontraba mucho alivio al escucharlo entonces lo hacía de manera obsesiva y un dia mi patrón me regañó porque prestaba mas atención a buscar el disco que a trabajar, la canción Cayman Islands es una descripción explícita y exacta de un domingo chingonsísimo que pasé en un pueblito cerca de Guadalajara e incluso hasta la frase del señor del bote es correcta, bueeeeh puedo durar horas escribiendo acerca de ese curioso detalle de “letras, mi vida” pero para cerrar solo me basta escuchar The Build Up y noto que es la única canción cuya letra sigue describiendo de manera precisa lo que me ocurrió y lo que me sigue ocurriendo en la actualidad, tiene razón, la reconstrucción duró mucho tiempo.

5. Arcade Fire – Funeral

Para cerrar esta penúltima parte pongo un disco espeluznantemente perfecto, cuya grandeza reside por todas partes que se le escuche y se le investigue. Para empezar, fue un disco esperadísimo gracias a los muchísimos sencillos que la banda arrojaba por internet, la instrumentación que utilizaron fue inovadora en muchos sentidos, volcó una vez mas los ojos del mundo hacia Canadá, le dió identidad a la horda de “indies”, nos motivó a escuchar cosas diferentes, puso de moda las bandas con muchos integrantes, y la historia de los distintos sucesos por los que la banda pasó en su composición y grabación marcaron su sonido. El título ya sugería que los distintos fallecimientos de personas cercanas a algunos miembros de la banda sería un elemento catártico en la música, lo primero que hice fue leer la letra de las primeras canciones y a primera vista no encontré nada de esto así que empecé a escuchar el disco (prestado, por cierto) y me topé con cosas muuuuy distintas y mucho mas interesantes que las canciones que había escuchado en internerd; la ya rumorada estructura extraña en su instrumentación apareció y disfruté un rock hecho de manera extravagante con instrumentos que antes no había visto hacer rock, aunque todos sabemos que en rock no termina ya que aparecen tantas influencias y estilos que es necesario escuchar las canciones por separado y diseccionarlas para apreciar un poco mas lo que ocurre dentro de ellas, después de escucharlo muchas muchas muchas muchas muuuuchas veces y anotar en mi cuadernito la letra, noté que muchas canciones hablan de la muerte en muchos sentidos, desde la muerte como el proceso final de la vida hasta la muerte como el fin de la infancia o el fin de la inocencia, . Con este disco no tengo mucho “conecte” emocional, me gusta mucho y gracias a las numerosas pláticas que tuve con gente que también le gusta pude entender cosas que de otra manera nunca me hubiera enterado, sin embargo la experiencia mas intensa que tuve con este disco fue con la canción “In the back seat”, curiosamente creo que este disco salió al mercado el mismo dia que el de Kings of Convenience, no estoy seguro pero si recuerdo que cuando compré el de KOC me habían prestado este y no escuché la última canción, entonces ya entrada la noche escuché por primera vez la canción mencionada y por alguna razón entendí la letra a la primera (cosa que no siempre me ocurre por el problema de lenguaje y acentuación y esas cosas) y me sentí totalmente triste, no mamaaaaaar pude entender esa canción en lo mas profundo de mi humanidad, pude entender que trata de una persona que toda su vida dejó que otros “manejaran el volante” de su vida y cuando “Alice” muere ya nadie queda para “manejar su volante” y se siente incapaz de manejar su propia vida, esa canción la considero LA MEJOR CANCIÓN PARA CERRAR UN DISCO en toda esta década y quizás de todos los discos que he escuchado, de manera fulminante engloba todo el mensaje del disco y con la voz de Régine le agrega un toquesaso petrificante de intensidad. Además, para agregarle belleza, en la canción “Wake Up” la bellísima Sophie Trudeau participa en el violín.

(MF)

La forma mas nostálgica que he escuchado por los 80, este disco  lo considero clave en la música popular ya que me demostró como una banda puede dirigir su sonido hacia otra dirección sin mostrar interés en caerle bien a todos los demás y sin embargo lograr caerle bien a una basta mayoría de personas. Se que a muchas personas que escuchaban a m83 hace varios años les molestó el sonido pop y upbeat que tomó Antony Gonzalez en esta hazaña musical del 2008, gran parte de esa molestia se debe (según los argumentos de uno de sus mas aguerridos enemigos) a que “se alejó del concepto incial de m83, o sea hacer historias musicales basada en sueños lúcidos”. Pues, si ese es el único argumento que tienen contra este disco, me temo que estoy en total y absoluto desacuerdo; yo creo que este disco es (de principio a fin) un relato que une a todas las canciones, tengo dos teorías: se trata de un guey dentro de un sueño en el que se enamora de una muchachona o mi otra teoría (la que creo es mas acertada) este disco trata la historia entre una pareja en la que la muchachona se encuentra en estado de coma y de una u otra manera (mi opinión, drogas) el muchachón se mete al sueño comatoso de esta muchacha y busca de mil y un formas despertarla y el track final (por largo que es) es el desenlace en el que la muchacha se despierta. Musicalmente estoy enamorado de este disco, el shoegaze que venía dándose codazos con el IDM desde finales de los 90 aquí aparece en una parsimoniosa relación con un pop de colores muy brillantes y alegres.

13. The Flaming Lips – Yoshimi Battles the Pink Robots

(MF)

No existe ningún otro disco que trate de enfrentar mis propios miedos que me guste mas que este. Ya desde el Soft Bulletin los labios gonorreicos añadieron psicodelia y experimentación a su rock de tal manera que era imposible dejar de percibir la alegría que transmite su música, este disco no deja de hacerlo pero el mensaje adyacente en las canciones tiene un tono triste y melancólico dependiendo de lo que estés viviendo. En su página oficial nos hacen el favor de explicar de que trata la letra de todas las canciones, para mí este disco describe a una persona reflexionando todas las veces que ha enfrentado a sus miedos y las consecuencias de ser derrotado por los mismos, la primera canción siempre siempre sieeeeeeeeeeeeeeeempre me viene como anillo al dedo y la siento como una PEDRADOTA a mi cabeza ya que viví algo exáctamente igual a lo que dice la letra, pensando que estaba en lo correcto dejé que mi miedo tomara lo mejor de mí y no luché por defenderme, cuando reaccioné la mujer mas hermosa que he conocido ya era novia del guey QUE MAS ME CAGA LA MADRE jajaja lo peor es que por azares del destino yo se la presenté, maldita vida. La segunda canción tiene un título muy interesante ya que hace alusión a una novela de la que ya olvidé su nombre solo recuerdo que el personaje principal así se llamaba, ya todos conocemos la famosísima “Yoshimi Battles the pink robots” y tiene un pesado significado para mí, según mis ideas esta canción habla de la fuerza interna que todos tenemos para enfrentar cualquier cosa (simbolizada por la muchachita Yoshimi) y también todos hemos escuchado alguna vez en la vida “Do You Realize??” y ya sabemos de que se trata sin embargo quiero resaltar que esa canción me hace sentir increíblemente feliz y en paz conmigo, también debo destacar su participación en el Motorokr del año pasado y la intensa felicidad que me hicieron sentir en su set.

12. Air – Talkie Walkie

(MF)

En mi punto de vista, este disco es la obra maestra de Air y de toda su discografía este es el que me brinca a los oidos. Tiene diez canciones que hacen vibrar cada fibra de mi cuerpo, tengo muuuuuy asociado este disco con una relación que tuve hace algunos años y quizás eso le agrega cierto aire de misterio, sin embargo el año 2007 fue el que por alguna razón que desconozco me hizo pegarme como becerro a este disco (junto con los de The Music, el de Gonzales y los de Feist) y descubrí que cuando camino por la calle escuchándolo parece que todas las cosas se unen al ritmo de las canciones. Me fascinan las metáforas que utilizan las canciones de amor como Venus y Biological, la primera haciendo alusión a que el amor depende del destino y que “aunque tu vivieras en el mar y yo fuera un pájaro, estaríamos juntos” y la segunda hace piropos bastante extraños como buitrear los genes, los cromosomas, el color de su sangre, las huellas digitales y lo mas raro es cuando compara “fusionar nuestras células esta noche, una parte de mi quiere viajar en tus venas” con hacerle el amor a alguien jajaja que pirata. Mi favorita de Air y de este disco definitivamente es Run, el uso de una voz digital para la vocalización es excelente, la letra también enamoradisa y un tanto extraña y lo mejor es la manera en que llega a un final épico y precioso lleno de armonía y tranquilidad. DISCAZAZAZAZAZO.

11. Gonzales – Solo Piano

(MF)

Otra prueba de que un artista puede cambiar su sonido de manera radical sin comprometer su postura musical. Este disco lo conocí a finales del 2006 gracias a la película “Paris, Je T’aime” ya que aparecen dos canciones en el soundtrack, lo compré y estaba en rebaja XD y cuando lo escuché me enamoré, no puedo hacer una descripción que me tenga satisfecho por completo mas que decir ME CAMBIÓ LA VIDA, y cuando digo eso es porque de verdad si no lo hubiera escuchado mi vida sería muuuuuuuuuuy diferente, me explico: Escuché este disco, me enamoré del sonido del piano, algunas canciones las utilicé en unos cortometrajitos que hice para un proyecto, la época de mi vida que denomino como “La Belle Epoque” tiene como soundtrack este disco (y los que mencioné en el disco anterior) y sobre todo el dia que hice el examen de admisión para el taller de música gracias a este disco decidí poner “piano” en la sección de “que instrumento quieres tocar?” en lugar de “guitarra”, ahorré como nunca y anduve de pobre como siempre pero por fin tengo mi piano a mis espaldas y ya por fín terminé el taller y ahora haré trámites para seguir estudiando música, todo gracias a este disco y sobre todo a la hermosísima “Overnight”, esa canción me satura de muchos sentimientos y no puedo evitar sentirme triste y feliz a la vez ya que recuerdo mis últimos dias como universitario y el largo proceso de despedirme de todas las personas y cosas que me hicieron feliz y triste mientras viví esa etapa.

10. David Gilmour – On an Island

(MF)

No se si alguien en el mas allá me escuchó, pero un dia estaba hurgando en una tienda de discos porque me había sobrado dinerillo cuando decidí ahorrarme unos pesitos al no comprar cuadernos y lápices ya que me habían negado una beca en la escuela, esto me había hecho escatimar gastos hasta el último centavo y ese pequeño sobrante me hizo recordar que tenía muchísimo tiempo sin comprar discos, entonces ahí estaba parado en la tienda hurgando cuando de repente me encontré con un disco de Roger Waters, pensé “pffff quisiera escuchar algo solista de David Gilmour pero creo que ni tiene discos” y de pura curiosidad pregunté al dueño de la tienda (por cierto, en paz descance Milton) si tenía algo de David Gilmour y los Dioses del Rock unieron sus fuerzas para mandarme un fuerte mensaje: ¡¡¡ESE MISMO DIA ACABABA DE SALIR EL TERCER DISCO SOLISTA DE DAVID GILMOUR!!!!, muchas veces a lo largo de mi vida me he sentido fuera de lugar, que estoy cometiendo errores o que de plano estoy tomando las decisiones incorrectas pero ese dia sentí que estaba exactamente donde tenía que estar, que todas mis decisiones me llevaron al lugar donde me llegaría un mensaje en forma de disco diciendo “vas bien padrino, síguele así”. Los solos de Gilmour son sonidos directo del paraiso, creo que así suena cuando cantan las sirenas, las letras son muy Pink Floydescas y tiene canciones hermosas como On an Island, The Blue, Smile, Pocketful of Stones y la épica Where we start, ojalá algún dia pueda bailar con una elfa en la luna al son de este disco.

(MF)

Desde que conocí a esta banda y escuché este disco me siento otra persona, como si me hubieran quitado algún tipo de vendaje ocular y veo muchas situaciones de manera distinta, muchas veces la música no solo sirve para disfrutarse y en este caso me sirvió para saber que mis ideas no son tan descabelladas o que algunas de mis opiniones son compartidas por personas que quizás están muy lejos geográficamente pero los ideales nos unen. Seelenlicht hace música con cierta disciplina de la música medieval, uniendo diversas influencias de la música de los pueblos Sajones; su instrumentación está profundamente confiada en el sonido del ensamble de cuerdas y de ahí unen otros cuantos instrumentos como piano, guitarra acústica, bajo, percusiones y otras cosas. El punto que mas me llamó la atención es la participación de Troy Southgate, un escritor cuyas ideas puedes encontrar por acá o en otras fuentes, en el disco aparecen algunos de sus ensayos a forma de diario en los que expresa abiertamente su opinión acerca de las costumbres de las sociedades capitalistas modernas, estos “diarios” me impactaron a sobremanera ya que cada que los escucho estoy mas de acuerdo que antes y me ha ayudado a llevar mi vida bajo decisiones hechas por mi mismo y no por lo que la sociedad espera de mi; en otras de sus canciones hacen relatos de historias muy al estilo Shakespeariano. Lo que mas me gustó de este disco es la sensación de soledad que me deja cada vez que lo escucho, una soledad muy distinta a la “soledad romántica”, me deja la sensación de que no soy de este planeta o algo así.

18. Explosions in the Sky – All of the sudden i miss everyone

(MF)

Las historias que “relata” la música de EITS suelen ser muy explícitas de cierto modo, es decir su música capta a la perfección el mensaje que su título sugiere. Muchas veces se ha dicho que es probable que el disco esté basado en la novela “The Catcher in the Rye” de J.D. Salinger, incluso el título del disco es como una frase que engloba el final del libro y los títulos de las canciones hacen referencias directas a los temas que engloba ese libro como alienación e inadaptación social, miedo, sentimientos de “falta de lugar” dentro de la sociedad, incongruencia emocional y sobre todo soledad. Lo fantastico de este disco es la perfección del estilo que EITS ha manejado desde principio de su carrera, la manera en que sus canciones a veces susurran y a veces gritan es su sello característico que les ha dado de comer a las miles de millones de bandas post-rockeras que suenan EXACTAMENTE a Explosions in the Sky. Técnicamente este disco tiene mucho mas de rock progresivo que de post-rock (si es que existe en la actualidad una descripción exacta del último), casi todas las canciones están divididas en dos secciones, en la primera usan 3 acordes principales y realizan distintas variaciones del tema principal y en la segunda parte utilizan dos acordes distintos y un acorde que utilizaron en la primera sección haciendo también sus respectivas variaciones y acaban de las maneras mas épicas posibles. Este disco dejó su estampa en mi corazón desde el primer segundo que lo escuché, me asombra la facilidad con la que juega con la tristesa y la felicidad, además tiene una de las canciones “cerradoras de disco” mas adhoc que he escuchado.

17. Johnny Cash – American IV: When the man comes around

(mf)

El mejor álbum de covers en la historia de la música creo yo, no por nada Trent Reznor declaró que desde que escuchó la versión que Cash hizo de su Hurt ya no podía escuchar la original. No todas las canciones son covers, eso hay que resaltarse, tres canciones son de su propia autoría y las demás son covers que debo decir se apropió de esas canciones de manera formidable. El resultado fue mas allá que un simple álbum con covers espeluznantemente asombrosos, este disco fue el último que salió del señor Cash mientras vivió y yo pienso que dejó un mapa de su estado emocional de ese entonces con las canciones que eligió, no encuentro un “tracklist” mas biográfico que este y también pienso que por eso suena tan misterioso, enigmático, triste, melancólico y solitario. Empezando con la canción que abre, When the man comes around, la letra no habla de otra cosa mas que del apocalipsis y lo que ocurrirá con lujo de detalle, después viene la célebre “hurt” en la que definitivamente nos abre todo su corazón y parece que es la canción mas catártica en todo el disco, usando las letras de Reznor nos dice que está pasando por su mente; hoy en la mañana lo estaba escuchando para recordar lo que me hacía sentir para hacer esta reseña y noté algo que no había notado antes, la última canción “We’ll meet again” estoy casi seguro que la puso ahí sabiendo que ya le faltaba poco para morir y creo que la canta como si su esposa June lo estuviera escuchando, recordemos que June Carter falleció solo cuatro meses antes de que Johnny Cash falleciera, no mames neta que me dejó con el hocico abierto hoy que la escuché en la mañana, ponle mucha atención a la letra de esa canción.

16. The Futureheads

(MF)

En una laaaarga noche de esas en las que el tiempo pasa muy lento, estuve buscando covers por internet y me encontré con un cover de Hounds of Love de Kate Bush interpretada por esta banda, la bajé y al poco tiempo estaba buscando todo su disco completo. La situación con The Futureheads es que llegaron en el momento que mas los necesitaba, cuando necesitaba música que sonara diferente a lo que estaba escuchando; normalmente clasificados en la linea del asquerosamente llamado “Indie-Rock” estos muchachotes hicieron una deliciosa mezcla de rock, punk, post-punk, algo de art-rock y le agregaron una actitud pretenciosa en forma de parodia a las letras, haciendo críticas extrañas a diversas situaciones de la vida rutinaria actual. Este es uno de los discos que orgullosamente puedo decir me salvó la vida, como mencionamos hace algunas semanas “en tiempos de adversidad el mejor compañero es un disco”, en mi caso varios discos xD.

15. The Music – Welcome to the north

(mf)

ROOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOCK!! no hay otra cosa aquí que RAAAAAAAWCK del que te hace mover la cabeza para todos lados, hermosas composiciones rockeras llenas de energía y tanto de armonía como de melodía. De verdad no entiendo como puede ser que esta banda no esté en el lugar que le pertenece en la música popular, no solo tiene bastante congruencia con su filosofía rockera sino que también tiene muchísimas canciones que fácilmente serían éxitos radiofónicos. Todas las canciones están en compás binario, en distintas tonalidades e incluso aparecen muchos destellos de virtuosismo del guitarrista y el acertado movimiento armónico por parte de la voz del vocalisa Rob; explosivos como Led Zeppelin y psicodélicos como Jane’s Addiction, resultado de trabajar con Brendan O’brien (quien ha trabajado con bandas como Soundgarden o Pearl Jam) logran un rock que nada tiene que ver con el norte de Inglaterra (Oasis, Stone Roses) y aunque en I Need Love suenan un poquito mas “bailables” también incluyen momentos de meditación rockera como Fight The Feeling o la sublime Into The Night, esa canción se la dediqué a una signorina que me gustaba en la escuela pero no le entendió. XD

24. Cornelius – Sensuous

(MF)

Este señor Keigo Oyamada creo que es uno de esos genios musicales que está muy interesado en encontrar nuevas formas de crear sonidos, ya sea con los métodos ya conocidos o explorando nuevos territorios. Desde que apareció en el mapa en el duo Flipper’s Guitar, mismo que formó parte fundadora del movimiento conocido como Shibuya-kei (algo asi como “el estilo del distrito de Shibuya”) se notó la diferencia en su forma de apreciar y componer así como interpretar música, ese dúo tenía una mezcla interestantísima de jazz, pop, electrónica, algo de rock y en vivo tenía muchos dotes de improvisación. Pues en su carrera solista (de la cual me enteré gracias a MTV cuando todavía era la onda por ahí de 1996) su estilo siempre busca explorar explorar y explorar, crear nuevos sistemas y utilizar viejos; en este disco realiza cosas que considero fantásticas como el uso a destiempo de voces, el sampleo de instrumentos con unos de esos pedalitos que graban en vivo, distintos usos de la electrónica, percusiones a veces tan sincopados que parece que se van a salir de ritmo, combinación de lenguajes japonés+inglés, tiene de invitados a los muchachones de Kings of Convenience en la canción Omstart. Hace mucho realicé un viaje de esos “a mochilazo” con una de mis mejores amigas, llegamos a una playa y conocimos a unos italianos que tenían un reproductor de CD pero solo tenían este disco, quedó como anillo al dedo.

23. Nada Surf – Let Go

(mf)

Alguien dijo alguna vez que el llamado “rock alternativo” que surgió a mediados de los 90′s iba a desaparecer sin pena ni gloria. Esta década por terminar comprobó que no solo prevaleció sino que evolucionó en tantas ramificaciones que se vuelve casi imposible describir algún género rockero de estos tiempos sin mencionar por lo menos a una banda de esta corriente. La situación con Nada Surf fue que su primer álbum tenía un hitazo llamado “popular” con el que se hicieron rápidamente de una basta comunidad de fans y esa canción aparecía por doquier, su segundo álbum no tuvo tanto éxito popular pero si tuvo bastantes críticas positivas por parte de revistas y supuestos expertos en el asunto, sin embargo muchos pronosticaron el desvanecimiento de la banda junto con el estilo debido a que parecía que solo los adolescentes de aquel entonces (ahora todos viejos, gordos, calvos y casados) eran los únicos que escuchaban esa música y con el único propósito de enfiestarse. Pues bien, Nada Surf siguió lanzando discos, saliendo de gira y evolucionando su sonido, buscando sonar a veces agresivos y a veces interesantemente dulces y suaves, mismas características con las que este álbum fue estructurado eso sin mencionar las letras con mensajes curiosos ya que en algunas canciones parece que siguen cantando a los mismos adolescentes de 1996 pero en el 2002 es decir ya mas viejos siendo adultos jóvenes. Las canciones que significaron mucho para mí son sin duda Inside of Love, Happy Kid, Neither Heaven nor Space, End Credits y No Quick Fix, aunque el tracklist está bien raro ya que en varias zonas del planeta cambiaban el orden de las canciones o incluían bonus tracks que en otras partes no.

22. Kings of Leon – Aha Shake Heartbreak

(mf)

¿Por que? ¿OH MI DIOS POR QUE? ¿Por que tenían que cambiar de esa manera? ¿Por que tenían que lanzar tres discos TRIUNFALES Y ÉPICOS y después cambiar para agradarles a las masas y rompernos el corazón a los que de pura casualidad los descubrimos cuando aún eran country, rockeros y despreocupados? … YAAAA, lo dije y lo saqué de mi sistema, este disco está aquí como un símbolo de sus tres lanzamientos que modificaron mi forma de ser y me acompañaron a lo largo de todo este tiempo. Hace mucho tiempo tenía que entregar una tarea descomunal de proporciones industriales y no tenía mucho tiempo, mientras estaba desvelado después de 2 dias frente a la computadora sin contacto social físico uno de mis amigos me dice “oye guey a ti te gustan los barbudos mamones esos no?” y le dije “si” y me dijo “ah pues ven a mi casa, te regalo un disco de ellos” entonces fui pensando que me regalaría el YYMH a pesar que ya lo tenía, cual era mi sorpresa que este cabrón tenía nuevecito, empaquetado y desde gringolandia el recién lanzado AHA SHAKE HEARTBREAK y me lo había traido especialmente para mí, fue la primera y única vez que he besado a un hombre JAJAJA y corrí a mi casa para darme cuenta que el discman no tenía pilas, entonces cargué las mugrosas pilas y tuve que esperar hasta la siguiente mañana camino a la escuela, lo escuché completito en el trayecto y quedé convencido que ellos eran mi banda, lo que mas me gustaba escuchar, que King of The Rodeo era por fín mi canción favorita sobre todo lo que había escuchado hasta entonces, no recuerdo un momento agradable de esta década sin que yo dijera “GOOD TIMES TO ROLL ON” o una noche célibe sin decir “I’M SO SOOOOOFT”, en fin este disco debería ser el no. 1 de esta lista pero su último lanzamiento rompió mi corazón en tantos pedacitos que incluso ya no puedo disfrutar sus otros discos sin sentir algo de repulsión sobre todo por todas las pendejadas que hicieron y dijeron en sus presentaciones en festivales; la forma en que me siento mejor es imaginar que después de Because of the Times se accidentaron y se murieron todos igual que Lynyrd Skynyrd. Ese último disco lo compusieron unos aliens.

21. Jarvis Cocker – Jarvis

(MF)

“Córrele gERa!!, ya salió el disco de Jarvis!!” La frase mas bella que me han dicho en toda mi vida, mientras Pulp aún latía con vida siempre me pregunté como sería un proyecto solista (del todo) de su vocalista Jarvis Cocker, por ahí del 2005 en varias redes de intercambio de mp3 aparecía un archivo diciendo ser el nuevo disco de Jarvis y cada que lo trataba de conseguir me bloqueaban, no recuerdo el tracklist pero esa situación me mantuvo en frustración profunda hasta que recibí esa llamada de Lisa (GRRRRRRRRRRACIAS!!!) desde una tienda de discos, me hizo el enorme favor de cuidarlo hasta que yo llegara porque siempre quise comprar ese disco y que nadie me lo regalara. La música oscila entre el rock tradicional y el rock que ya manejaba con Pulp, sus letras es la parte con la que mas hice CLICK ya que hablan mucho de los cambios de percepción hacia la vida que experimenta un adulto en alguna etapa de transición, en aquel entonces yo apenas empezaba un proceso laaaaaaaaaaaaaaaargo de “rehabilitación profunda” en el que tuve que cambiar bastantes rutinas y muchos de mis hábitos y este disco me hizo pensar que las cosas no necesitaban ser cambiadas del todo, también tengo un recuerdo muy bonito con la canción TONITE ya que los viernes en aquel entonces para mí eran un proceso muy ñoño de hacer tareas y dormir temprano para al siguiente dia ir al servicio social, esa canción la escuchaba en la mañana y me inyectaba de energía para salir en la noche a pesar de todas las responsabilidades innecesarias con las que cargaba, y para hacerlo mas bello VINO A MÉXICO en el 2008 y me hizo muyyyyy feliz.

20. Bright Eyes – I’m wide awake, it’s morning

(MF)

Pues antes de iniciar el proceso ese que mencioné en el disco anterior, este disco fue uno de 4 soundtracks principales con los que me reflejaba. A pesar que a veces creo que Bright Eyes es sobrevalorado (sobre todo desde que escuché a alguien compararlo con Bob Dylan) creo que nadie le ha hecho justicia a su aporte a la música de nuestra época, mi opinión es que uno de sus aportes es la sinceridad absoluta de su letra, el agradable ambiente que provoca su combinación de rock y country, las distintas opiniones políticas aunque muy obvias pero fundamentadas, y sobre todo la facilidad con la que su letra te envuelve a cualquiera que sea la historia que está relatando. De principio a fin, me parece que es un relato de diversos dias en la extraña vida de un drogadicto a punto de tocar fondo, las distintas experiencias en el amor, la frustración, la soledad, el dolor, algunos relatos de historias ajenas como en la canción que abre el disco, en la canción Old Soul Song me TRAUMA como relata una historia que parece de amor y al final resulta que solo está relatando un recuerdo, First Day of My Life me TRAUMA porque les juro que yo sentí lo mismo alguna vez, Lua (luna en portugués) es una de mis favoritas porque es impactante la delicadeza con la que te mete a la historia e incluso puedes sentir las piernas cansadas de tanto caminar o el sabor amargo que dejan las pastillas al meterlas en tu boca, y Poison Oak creo yo que reflejaba de manera contundente la soledad, sin mas.

Feliz fin de semana, no olviden visitar:

PLUTON PARA PLANETA

y sobre todo contribuir, you fucks!

(mf)

La voz de Siohban de Maré nunca ha dejado de hipnotizarme, desde la primera vez que la escuché en Mono en la ultrafamosa canción Life in Mono (en la versión del ost de Great Expectations) me enamoré. Fue muy triste darme cuenta que esa excelente banda se habia disuelto, pero mi felicidad encontró una razón mas de ser cuando me hice de una copia del primer disco de Violet Indiana, solo por saber que Siohban de Maré cantaba ahí no necesitaba de mas y para agregarle mas felicidad a la ecuación resulta que Rob Guthrie también es parte del proyecto. Uffffff pues, cuando conseguí este disco, esperaba el característico color musical trágico y triste que les había escuchado en Roulette o en Casino, en esta ocasión siguen en esa linea PERO con la gran diferencia de utilizar una orientación mas enfocada al shoegaze, sin embargo también sigue el dream pop “a la Cocteau Twins” lo que le agrega un amplio abanico dramático a sus sonidos.

28. A Silver Mt. Zion – He has left us alone but shafts of Light sometimes  Grace the corner of our rooms

(MF)

Un disco que apenitas alcanza a entrar en estos años, y que en lo personal lo considero una verdadera JOYA en la que no solo se pueden encontrar acertijos y rompecabezas musicales, también tiene un pesadísimo velo de melancolía. A Silver Mt. Zion surgió de varios miembros de Godspeed You! Black Emperor, las “razones” por las que se fundó no se saben con exactitud ya que solo contamos con las mamadas que se escriben en wikipedia; sin embargo esta banda comenzó “en paralelo” de GY!BE años antes de que desapareciera dicha banda. Me TRAUMA este disco, para empezar tiene una de mi TOP 5  de canciones de todos los tiempos: 13 angels standing guard ’round the side of your bed, con este disco empezó una faceta en la disquera Konstellation en la que una banda de sus filas utilizaría voces, tiene una canción dedicada a la memoria de la perrita de Efrim Menuck, parece estar impregnado (aún mas) de sus ideales políticos o al menos eso solía decir en la página de su disquera, la letra de A Movie (never made) siempre me causa una sensación que nunca logro describir completamente pero parece ser tristesa irremediable, y fue la antesala de otro de los discazazazazos que escuché en estos años.

27. Joan As a Police Woman

(MF)

Puse esa imagen porque la portada del disco me parece HORROROSA y esa foto está PRECIOSA. Este disco me gusta mucho por el uso delicado del piano, su fuerza rockera y la encantadora gracia con la que su letra nos lleva directamente a donde se le antoja. La voz de Joan Wasser es encantadora, hasta en los momentos mas intensos no abandona su postura delicada y dulce; en la colaboración con Antony Hegarty a veces pienso que sus voces luchan para ser protagonistas sin que nadie lo sepa. La canción que me impactó es Eternal Flame, la conseguí en un tiempo en que estaba obsesionado por conseguir música de mujeres compositoras, sin saberlo esa letra me iba a sacar de apuros algunos años después.

26. Squarepusher – Go Plastic!

(MF)

Tom Jenkinson es todo un enigma, parece que solo los personajes mas excéntricos del IDM son los que prevalecen en mi memoria pero en esta ocasión (y en la de Richuuuurd) se trata mas de la cicatriz emocional que me dejó este disco cuando lo escuché. Por muuuuuuuuuucho tiempo un amigo me lo estuvo recomendando, pero por muuuuuuuucho tiempo, no me llamó la atención hasta que lo ví en el soundtrack de Lost in Translation por su hermosa y corta canción Tommib, equívocamente pensé que su especialidad era el ambient, JA! que escucho My Red Hot Car y pensé que eso sería lo mas alocado del disco, entonces fuí víctima de un bombardeo de tracks explosivos, dinámicos, excéntricos, extravagantes, bizarros, ruidosos y bastante bastante interesantes.

25. Jack Johnson – In Between Dreams

(MF)

Si eres el joven que le encabrona que hable de mi época como universitario, entonces tápate los ojos porque este disco me recuerda EXCLUSIVAMENTE esa etapa de mi vida. Es imposible dejar de asociar momentos felices y alegres con la música de Jack Johnson, este disco explora situaciones humanas difíciles de explicar de manera compleja por lo que (creo yo) se aventura a utilizar un lenguaje mucho mas sencillo y directo; tuve una etapa en que quise abandonar TODO y dedicarme a NADA y en eso apareció “Breakdown” y la letra me sirvió de Aloe Vera para el alma, después noté que en mi hermosa Guadalajara sieeeeeeeempre hay mujeres hermosas y en eso apareció “Belle” y la letra me sirvió de soundtrack para admirarlas, en ese tiempo uno de mis mejores amigos vivió una tragedia familiar y apareció “If only i could” y me dió palabras de aliento para mi amigo, me di cuenta que tenía que cortar de tajo una relación niurkosa que tenía y apareció “sitting, waiting, wishing” y me dió herramientas para encontrar la salida. En fin, este disco creo que describe por etapas muchas cosas que me pasaron en ese año tan extraño.

34. Tool – Lateralus

(MF)

El tercer disco de Tool, lanzado en el 2001, cumplió con las expectativas de “un disco cada 5 años” y debido al enorme campo abierto para su interpretación para muchos de nosotros este mas que un disco es un rompecabezas complejo cuyos acertijos son casi tan emocionantes y provocativos como la música misma que los envuelve. Antes de que este disco saliera, Tool tuvo un problema con su disquera Volcano que curiosamente duró cinco años, como sabemos a Maynard y sus amiguitos les encanta lanzar información falsa acerca de sí mismos y de sus lanzamientos, este caso no fue la excepción ya que antes de que saliera el disco lo anunciaron con otro nombre y dieron un tracklist totalmente falso, según mi memoria fue la primera vez que en internet aparecieron discos falsos con esos nombres y al parecer fue una estrategia de Tool ya que en aquel entonces eran muy abiertos en su opinión en contra de la cultura del mp3 y las consecuencias que traía hacia las bandas que dependían de discos comercialmente exitosos. Los numerosos misterios que envuelven el disco han sido interpretados de muchísimas maneras por los admiradores de Tool, por ejemplo en el track Lateralus se dice que cada estrofa contiene el número exacto de sílabas según la secuencia Fibonacci, además el compás utilizado en esa canción es un compás amalgamado de 9/8,8/8 y 7/8 haciendo referencia al decimoséptimo número de la secuencia Fibonacci: 987, el track mas “curioso” por así decirlo yo digo que es Faaip de Oiad, una rara forma de sonidos extraños con la batería de Carey sonando al fondo y con un sample de una llamada a un programa de Ovnis. Este disco me traumó solo por ser Tool, no necesitaba de nada mas, sieeeempre que lo escuchaba omitía la canción titulada Faaip de Oiad porque pensaba que solo eran sonidos de estática o algo así, el año pasado lo escuché completo mientras estaba solo en mi casa por la noche, creo que la mejor frase para describir el sustote que me sacó sería “Bricks were shat”

33. Belle and Sebastian – Push the barman to open old wounds

(HF)

¡Si! ¡Lo se! este disco es compilatorio, en realidad estas canciones no “nacieron” en este periodo e incluso su disco del 2006 titulado “The Life Pursuit” es casi perfecto y probablemente sería mejor ponerlo en lugar de este, sin embargo todas estas canciones puestas en el mismo lugar tienen un extraño matiz distinto al que les escuché en el contexto de los álbumes que las contienen. Es curioso que a pesar de ser una recapitulación no se incluyeron muchos de los sencillos mas conocidos, sino que también metieron algunas canciones que muestran a profundidad el estilo y mensaje que Belle and Sebastian suele plasmar en su obra, ¿recuerdas cuando algún insensato descorazonado comenzó el rumor que tocarían en el Festival Cervantino? pfffff esa vez me rompieron el corazón, pedí permiso de faltar al trabajo, a la escuela, al servicio social y a las prácticas para que en esa misma semana en su página lanzaron un comunicado desmintiendo la “noticia”. Que poca.

32. The Antlers – Hospice

(MF)

Es un crimen que este disco sea del 2009, si hubiera sido creado en el 2005 definitivamente sería mi himno de vida, cuando lo puse aquí en musiteka me lo habían recomendado pero no tenía ni la mas mínima idea de quienes eran o de que se trataba este disco, después de escucharlo e investigarle me dejó boquiabierto, es un discazo. Hace mucho hice una reseñita de este disco en un grupo de Lastfm donde nos compartimos discos y opiniones bizarras, aquí está:

“Estos señores de los Antlers son una banda de Brooklyn Niu Llorc liderada por Peter Silberman. Empezó como proyecto solista y después se metieron Michael Lerner y Darbi Cicci (CHICHIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIS!!!!!) y después de algunos Ep’s escribieron Hospice y lo comenzaron a vender por su cuenta en marzo de este año y llamaron la atención de la disquera French Kiss y hace unos dias volvieron a lanzar el álbum. Es entonces cuando por todos lados dicen que es el disco del año y asi y pus bien chido.

Me lo pasó una amiga hace muchito y pus lo escuché y dije orale está bien bonito, pero no le había prestado mucha atención a la letra. Pues resulta que tiene un chingamadral de significado todo el disco desde la portada hasta el último segundo de cada canción; según cuentan los internet masters este guey de Silberman estuvo metido en una relación de esas locochonas con muchos pleitos y rupturas y regresos y poleas y teatritos y drama e insultos y así (lo que yo llamo “LA NIURKA QUE NOS TOCA A TODOS” en mi aclamada teoría de “A TODOS NOS TOCA POR LO MENOS UNA NIURKA EN NUESTRA VIDA”) y que la muchachita con la que tenía esta colorida relación murió de cáncer y tooooooooooooodo el disco es un relato del proceso de ir a hospitales, estar con ella mientras sufría de episodios de negación, ira, depresión, frustración, etc. y con el feo desenlace de la muerte de esta muchacha.

Estuve leyendo las letras mientras lo escuchaba y me causó un impacto profundo, de verdad me sentí como testigo de todo lo que describe cada canción y se me hizo muuuuuuuuuuuuuy interesante otro detalle, en su canción Sylvia hay un parrafito que dice “Sylvia get your head out of the oven” y resulta que Sylvia Plath era una escritora de Poesía que se casó con Ted Hughes, se suicidó hace mucho metiendo su cabeza en un horno, curiosamente el estilo de poesía que Sylvia Plath manejaba era llamado poesía confesional en el que a través de sus poemas relataba grandes pedazos de su vida y a veces pedia perdón a veces solo se desahogaba y otras exponía cosas que le parecían injustas. Pus el disco parece ser exactamente eso, un relato confesional y muy honesto del alma de Silberman y nos deja entrar en su mente y en su vida para poder sentir muy de cerca las heridas que le causaron las situaciones que describe en las canciones; hasta la caraja portada muestra una mano con la palma hacia abajo y una como pulsera de hospital y otra mano con la palma hacia arriba, esto en las ondas esas de lenguaje corporal y eso nos dice que la persona que tiene la mano hacia arriba se muestra como “receptor” o la parte que ayuda o rescata y la que tiene la palma hacia abajo es la que necesita ayuda,

Esta semana “redescubrí” de mi disco duro este álbum, neta que me dejó en un estado extraño de depresión y satisfacción mezcladas, satisfacción porque está bien bonito y al entenderlo desde la perspectiva confesional lo encuentro muuuuy muy muy chingón, depresión porque es una historia muy triste y hace muuuucho tuve una relación de esas Niurkosas y me trajo muchos recuerdos amargos a la memoria. Es un discazazazazazazo a la altura de gente de gustos exigentes y libres de hipsterismo como los de este honorable y pomposo grupo.

Las que me dieron directo en el corazón y los oidos son Sylvia, Bear (no mames la primera vez que la escuché dije “baaah parece canción de cuna” y ya que le puse atención a la letra ese detalle me parte la madreeeeeeeeeeeeee) y Epilogue, pero tooooooooodo el disco es hermosísimo, ahhh y como otro dato triste y feo en marzo de este año se suicidó un hijo de Sylvia Plath y Ted Hughes en Alaska, y que cuando Ted Hughes se divorció de Sylvia Plath se casó con otra muchacha que se volvió como loca o no se que le pasó y mató a su hija y se suicidó casi casi como Sylvia Plath. Fin.”

31. Radiohead – Kid A

(MF)

Mi opinión acerca de Radiohead no es la mas objetiva ni la mas original, mi historia de vida me acercó a ellos desde que Creep era el amo y maestro de todas las estaciones de radio-rock, los seguí muy de cerca por muchísimo tiempo y a partir de este disco me alejé de ellos por la sobreexposición de la que me hice yo mismo, creo que los escuché demasiado y yo mismo me enfadé de tenerlos tanto tiempo en el estereo; aunque debo decir que lo único que me molesta de Radiohead son sus fans from hell que a cada lanzamiento se la pasan gritando “NO MAMES ESTE ES EL MEJOR DE LA HISTORIA” y eso a veces me molesta, pero quiero dejar muy en claro que yo no soy nadie para decirle a los demás que decir o que opinar y de verdad me da mucho gusto que Radiohead siempre se vuelve la banda que amplia el criterio de las personas ya que la basta mayoría conoce a Radiohead y después (debido a su constante evolución) brincan hacia otros artistas. Este disco, todos lo sabemos, fue una revolución musical que nadie esperábamos, estoy casi seguro que este disco es una muestra de que estuvieron escuchando muchísimo Richard D. James ya que sus elementos están regados por todas las canciones, esto no quiere decir que pienso que lo “robaron” ya que el Radioheadismo está mas que palpable y latente en la superficie de las canciones. La razón por la que pongo este disco aquí es que cuando salió mi hermana lo compró enseguida y siempre lo escuchábamos, para ese entonces ya conocía a Richard David James y me encantó la similitud entre ambos artistas; además este disco tiene la peculiar cualidad que sieeeeeeeeeeeeempre que lo escucho me hace imaginar que mi vida es un cortometraje, no se como explicarme este último punto pero me hace sentir muy especial.

30. Martina Topley-Bird – Quixotic

(MF)

El álbum debut de la voz mas hermosa de todo el universo, DE TODO EL UNIVERSO LES DIGO. El “Blue God” está muy bonito, pero este disco lo considero UN ÉXITO ÉPICO por su eclecticismo, letra, armonías, colaboraciones, y sobre todo por ser la primera vez que un sueño se me hizo realidad, por muchísimos años le pedí a los dioses del rock poder escuchar la voz mas hermosa del universo de esta manera: SOLISTA. Cuando me enteré de la existencia de este disco corrí a conseguirlo, lo saqué de su cajita cuando llegó y esperé que el trip-hop inundara la habitación, ¡OH SORPRESA!, apareció en mis oidos un rock mezclado con soul y un poquito de funk, muchos ritmos tribales, un pop bastante oscuro y ácido y al último poquito trip-hop. Me dió muchísimo gusto que triunfara por todos lados, aunque siempre he tenido el sueño guajiro de poder platicar con ella o al menos verla en vivo, no se me ha cumplido pero al menos platiqué con ella (o el que le responde sus mensajes) en Myspace jajaja.

Ya se está acabando la lista, por último los invito a mi examen final de piano en la escuela de la UdeG, es mañana a partir de las 2 pm, vamos a tocar todos los alumnos que terminamos el taller y es gratis. Ah! y otra cosa, conocí a unos argentinos en la Feria Internacional del Libro que están haciendo algo fenomenal, están viajando desde Argentina por tierra desde diciembre del año pasado y se cubren sus gastos vendiendo el diario que escribieron mientras viajan, les puedo decir que es un LIBRAZO hermoso y tuve la oportunidad de conocerlos y son personas muy amables y mi forma de ayudarlos es invitarlos que conozcan su página http://enlazadordemundos.com/wordpress/ y si tienen la oportunidad de toparlos compren su libro, está bien barato y al menos a mí me está cambiando la vida, se los juro.

Gracias, feliz fin de semana

39. Marsen Jules – Herbstlaub

(MF)

Este disco llegó en una de esas investigaciones personales, hace mucho tiempo me regalaron el primer disco compilatorio de la serie llamada Pop Ambient de la disquera Kompakt, resulta que esta disquera se enfoca en una vertiente de la música electrónica por demás interesante llamada minimal, no en el sentido que la mayoría conocemos sino que se enfocan en artistas cuya influencia principal sea la música minimalista de concierto de compositores como Steve Reich, Arvo Pärt, Henryk Gorecki, John Adams o Philip Glass. Dicha música tiene como características principales la repetición, casi nulo movimiento armónico, suma de elementos hasta llegar a un climax, a veces falta de compás entre otras cosas. Pues bien, después de conocer ese primer disco compilatorio empecé a conseguir los que le siguieron por mi cuenta, encontré que la música ambient había evolucionado hacia esta vertiente minimalista en la que se diferencia principalmente por el uso de muchos mas elementos sonoros y muchas mas propuestas tanto armónicas como melódicas, en uno de esos discos apareció este hombre y quedé encantado con su música. Conseguí este disco y desde entonces LES JURO que no soy el mismo, no se como explicarlo pero de alguna forma “mejoró” mi percepción hacia las cosas, no se si te ha pasado que a veces con estar viendo el rostro de tu mejor amig@ reír te hace muy feliz o que te das cuenta que lo que sea que estás haciendo con tu vida te gusta porque viene directamente de las decisiones que tomaste, pues este disco lo considero el soundtrack de ese momento que viví cuando realicé un viaje que me ayudó mucho a poner las cosas en perspectiva, además este disco me lo regalaron en mi cumpleaños del 2005 y me lo mandó una de mis mejores amigas desde Alemania, y también otro detalle que me encanta de mis recuerdos de este disco es que Martin Juhls alias Marsen Jules respondió todos mis mensajes por YOutube cuando encontré un video de él que resultó estar en su cuenta. Espero algún dia escucharlo en vivo.

38. Goldfrapp – Felt Mountain

(mf)

Este disco es una impresionante muestra del talento vocal de Alyson Goldfrapp, esta caraja muchacha tiene voz de violín y te juro que si no lo has escuchado antes no creerías que esa es su voz, desgraciadamente en sus discos posteriores no hace uso de ese talento increible tanto como en este disco. ¿Has escuchado Pumpkin de Tricky? Pues esa voz femenina es de Alyson Goldfrapp, aaaaaños antes de sacar este álbum del 2001, yo me enteré de su existencia porque en aquel tiempo yo estaba convencido (erróneamente) que Portishead jamás volvería a sacar material nuevo y en una revista llamada La Mosca, muy popular por estos lares, hicieron una reseña de este disco y lo compararon con Portishead, entonces yo hambriento de Portisheadismo corrí hacia la tienda de discos y lo compré y si, me recuerda a Portishead pero el registro vocal de Alyson Goldfrapp está fuera de este planeta, tardé mucho tiempo en darme cuenta que era su voz ya que para uso del álbum decidieron meterle algunos efectos distorsionadores pero creo que no eran necesarios, como dije su voz es un violín.

37. The Decemberists – Picaresque

(mf)

Otro disco que encontré por estar buscando artistas similares, en este caso de Arcade Fire, un buen amigo me recomendó enseguida que consiguiera este disco ya que, aunque no es igual, me recordaría a Arcade Fire “pero solo al principio, después verás que diferentes son”. Que buen argumento! porque tiene toda la razón, el punto mas característico de la música de los decemberistas es su habilidad para contar historias en sus canciones, este disco tiene canciones cuyo tema principal suele ser el amor pero por lo general termina en tragedia o algún giro circunstancial inesperado e incluso en venganza, la canción que mejor representa esa característica es The Mariner’s Revenge Song, esa canción me gusta muchísimo por el drama que los instrumentos le agregan al relato que Colin Meloy canta. Tengo un recuerdo muuuy extraño de este disco, en aquel entonces una amiga tenía muchos problemas con su novio ya que ella no estaba tan enamorada de él como él de ella, mientras me platicaba sus ondas teníamos este disco tocando en volumen bajo y yo no sabía que decirle mientras ella platicaba, en eso puse atención a la música y solo escuché “and if you don’t love me let me go … and if you don’t love me let me go”, mi amiga no se había percatado porque seguía hablando entonces le dije “pues si no lo amas déjalo ir”. Y resultó ser el consejo que necesitaba escuchar.

36. Gomez – Split the Difference

(mf)

Este año se cumplen 11 años desde la primera vez que escuché a Gomez en su épico álbum debut titulado “Bring it on”, tardé algún tiempo en retomar su discografía por no se cual razón y cuando los busqué ya tenían bastantes discos y encontré este, no tenía idea de lo que me esperaba. El disco tiene un rock + blues + rock experimental clásico en ellos pero nuevo enla música en general, suena mucho mas “maduro” o mejor dicho me parece que lograron encontrar su sonido y partiendo de ahí experimentaron para lograr mas cosas, salió en el 2004 y yo no lo conseguí hasta el 2005 en pleno “año del desmadre” (como así le digo a ese infame año) y por mucho tiempo no pude encontrar alguna relación entre mi vida y la letra, hasta que ocurrió algo que me hizo sentir que la canción “There it was” la compusieron para mí, quizás te haya pasado que despiertas al lado de alguien a quien amas y parece mentira que exista alguien que te haga así de feliz y después de algún tiempo esa persona ya no está cuando despiertas, creo que por eso la letra de esa canción está en pasado.

35. Interpol – Turn on the bright lights

(MF)

Una de las tendencias mas desafortunadas de estos casi 10 años fue las bandas que aparecían con un disco debut profundamente exitoso y que sus discos posteriores no lograban hacer esa conexión con la oleada de admiradores que había creado el primer disco. Con Interpol no pasó tan así, de hecho el segundo disco también fue aclamado y el tercero no tanto, aunque yo creo que el problema reside mas en el escucha que en la banda. Este disco tiene tantas cosas que me gustan que me es difícil encontrar por donde empezar, la primera canción que escuché de este disco fue la que no tiene título y pensé que se trataba de una canción de Joy Division que nunca había sido lanzada o algo así, me confundí y pensé que la canción se llamaba Interpol y que el mp3 estaba mal etiquetado, entonces un dia de esos sin hacer nada escuché Obstacle 1 y desde entonces cada que la escuchó no resisto las ganas de gritar el coro “But she can read, she can read, she can read, she can read, she’s bad”, revivió el gusto por el Post-Punk y también creo que este disco es responsable de que las pocas personas que aún no gustaban de Joy Division decidieran investigar mas acerca de ellos, también creo que este disco es el abanderado de las siguientes bandas que se adentraron al “post-punk revival” llegando al límite en el que se tenía que cantar como el vocalista de Interpol.

44. Les Claypool – Of whales and woe

(mediafire)

Uno de los bajistas virtuosos de nuestros tiempos, el centro del universo conocido como Primus decidió caminar solo por un tiempo pEEEEEEEEEEEEEEEro no tan solo, ha tenido unas colaboraciones dignas de provocar deshidratación por babeo. Este disco está loquísimo, exótico, extravagante, provocador, interesante y chingón, para empezar el ensamble instrumental que Claypool nos trae es por de mas raro ya que incluye guitarras eléctricas, por supuesto el bajo, batería, marimbas, algunos djembés, un coro bastante extraño y lo mas interesante es que todos los instrumentos tienen su momento de gloria bajo la luz, escuchar esos solos de marimba es orgásmico. Además como es de esperarse, la letra también está bien pasada de drogas e incluso tiene una como canción de amor dedicada a una muchacha de Iowa que está muy chistosa y me gusta mucho, tambien incluye el tema que se utilizó en la serie EPIC WIN de Pollo Robot.

43. Björk – Vespertine

(mediafire)

Este discazazazazazazazo de Björk está plagado de canciones que fácilmente serían sencillos exitosos por sí solos, es su cuarto disco desde que emprendió su búsqueda como solista y salió en el 2001. A diferencia de su antecesor Homogenic, este disco se caracteriza por ser un viaje emocional e íntimo en el mundo de Björk, la letra lo refleja totalmente; otra de las cuestiones a resaltar es que TODO el álbum fue producido por Björk pero hubo participaciones sobresalientes en cuestiones de letra o algunos cuantos arreglos entre los que destaca Matmos, lo cual está totalmente adhoc al sonido de Vespertine en general, ese sonido de pulsiones rítmicas apenas perceptibles y un gran apoyo de ensamble de cuerdas, armonías dulces y sampleos extraños, en este punto tenemos que en Coccoon y Hidden Place utilizó cartas siendo barajeadas, en Frosti utilizó el sonido de alguien caminando sobre la nieve y en Aurora el sonido de hielo siendo arrojado al suelo. Este disco para mí significa mucho porque en aquel entonces estaba super traumado con Björk, desde que lo compré lo escuché muchísimo junto con otros discos TRAUMANTES que conseguí esa misma temporada, imagínate el trauma que me causó VERLA EN GUADALAJARA en aquel 8 de diciembre del 2007 en el Sonofilia y tener el placer de escuchar Aurora totalmente en vivo en un setlist bastante interesante; amada por muchos y odiada por muchos mas, Björk es mi ídola.

42. Venetian Snares – A cavalcade of glee and dadaistic happy hardcore pom poms

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Este joven conocido por sus papás como Aaron Funk lanzó UN CHINGO de discos en estos 9 años así que voy a hacer como una unión de todos esos en este del 2006 que es uno de los que mas me gustan de su inmensa discografía. Por mucho tiempo su obvia influencia de Aphex Twin me impedía escucharlo ya que de manera muy tonta yo lo consideraba un plagiario de la obra de Richuuuuuuuuuuurd, pero un dia de febrero del 2002 una ex-novia casi casi me obligó a escucharlo y estoy muy agradecido con ella por haberlo hecho, poco a poco descubrí que Aaron Funk está todo loquito y su música lo refleja. Este disco tiene muchos sonidos ácidos, ritmos rotos o mejor dicho ritmos de compases amalgamados, samples vocales bien chistosos y lo que mas le distingue es la brutal energía que inyecta al cerebro, uno de los tracks que mas me truenan las neuronas es Vache, mas o menos cuando transcurren 3/4 del track utiliza un sample de una batería y NO MAMAAAAAAAAAAAAAAAAAAR se vuelve increible el resultado final.

41. Daft Punk – Discovery

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Otro disco del 2001, shaaaale me hace sentir tan viejito decir eso jajaja. En aquel entonces no me imaginaba que este disco sería la máxima influencia para muchísimos artistas electrónicos de la segunda mitad de la década, desde The Bloody Beetroots hasta Digitalism pasando por toooooooooooda la inmensa masa de Dj’s de Ed Banger, suenan poco o mucho a este disco. La primerita vez que fuí a Mazatlán me llevé este disco y fue el soundtrack de ese viaje que estuvo super super loquísimo, lo mas mamón de ese viaje fue que en la esquina del hotel en el que nos hospedamos mataron a un narcotraficante en la mañana, un dia después de una sesión densa de caguamas poderosas así que fuí a comprar mas caguamas para la cruda y en eso me topo con un chingo de policías interponiéndose entre el modelorama y yo jajaja, pinche viaje pirata. Tampoco pensé que sería el último disco de estudio de Daft Punk, (corregido!! no es el último) neta que ya urge que saquen nuevo material.

40. Sean Lennon – Friendly Fire

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Para serte sincero este joven me caía muy mal desde que ví una entrevista que le hizo 60 minutes a su medio hermano Julian Lennon, desgraciadamente no he escuchado su primer disco por esa razón y siempre se me olvida conseguirlo pero afortunadamente me di la oportunidad de escuchar este disco, pues resulta que está acompañado de una película que el mismo Sean Lennon dirigió en memoria de su amigo Max Leroy. El disco tiene un aire de folk, rock y pop que de momento recuerda poquito a los Beatles pero rápidamente se aleja de esa tendencia, lo mas bonito es cuando llegan canciones como Spectacle o Tomorrow, creo que sobre todo Tomorrow porque de alguna manera dice lo que siempre le quise decir a una muchachona con la que siempre estuve bailando tango y nunca se dió nada concreto, me derrito cada que escucho esa canción y me veo reflejado sin máscaras ni nada que oculte mis verdaderos sentimientos y mis ganas de decirle “Te prometo que dejaré de amarte desde mañana, dejaré de pensar en ti constantemente, dejaré de desear despertar a tu lado todos los dias, dejaré de soñarte, dejaré de esperar tus llamadas, pero hoy todavía podemos fingir que no es demasiado tarde”. </3

(mediafire)

Este disco tiene una extraña combinación de acid jazz con breakbeat, idm, ambient y glitch, aunque la mezcla de géneros a veces impide apreciar del todo la ligera capa base de jazz. El triunfo épico que logró el talentoso Chris Clark fue poder crear tracks que inviten a la meditación y meterlos en un disco junto con otros tracks que invitan a levantarte inmediatamente de tu asiento y moverte como se te ocurra; a pesar de que es del 2006 rápidamente se metió a las listas de los discos imprescindibles para definir lo que hasta hoy se define como IDM, solo vean el shout del Last.fm de este disco para que vean lo emocionados que seguimos los que lo tenemos.

48. Apparat – Walls

(mediafire)

(depositfiles)

El señorito Sascha Ring mantiene una gran parte de la música electrónica ya sea en su sello Shitkatapult o en su desmadre musical conocido como Apparat, ya sea en formato banda o en formato “yo solito”. Sus ep muestran una tendencia a experimentar con los recursos de la música electrónica ácida y glitch, en este disco decidió adentrarse mucho mas a la armonía y a estructuras rítmicas poco convencionales como 11/3; después antepuso su tendencia a usar sonidos extraños y utilizó instrumentos como guitarras eléctricas, guitarras acústicas, bajo eléctrico, batería, ensamble de cuerdas y su voz, metió al señorito mejor conocido como Raz Ohara tanto en voz como en instrumentación, después hizo muuuchos cambios de ritmo en los que la batería tenía un compás distinto al de los demás instrumentos pero sieeempre en el último compás encajan perfectamente. Todo esto fue coronado con su visita a Guadalajara el año pasado donde los pude ver desde primerita fila y totalmente gratis, ese dia falló algo del sonido o no se que mierda porque tuvieron que cerrar tocando Arcadia aunque ya la habían tocado.

47. Quasimoto – The unseen

(hotfiles)

Como saben este disco lo borran de inmediato de todos los servidores, así que apúrenle!!. Sigo creyendo que este disco es una de las mejores cosas que los hongos alucinógenos hayan contribuido en crear, la idea de crear un personaje ficticio usando un pitch mas agudo de la voz propia solo puede salir de un festín de una familia de hongos aciditos. En mis tiempos de embriaguez (y demás) este disco me hizo reír muchísimas veces, las primeras veces la vocecita se me hacía muy graciosa, después le puse atención a la letra y noté un personaje totalmente desquiciado, paranoico, drogadicto, megalomaniaco, histriónico, con tendencias asesinas y mal temperamento, o sea como cualquier otro rapero pero con voz chistosa. Este disco le cambió la cara al hip-hop y abrió camino al hip-hop abstracto como Flying Lotus e incluso para los trabajos del difunto J-Dilla.

46. Lali Puna – Faking The Books

(Hotfile) corregido xD

Un disco bastante complicado para etiquetar y muy fácil de disfrutar, a veces quiero pensar que es el eslabón entre el rock y el IDM, pero después pienso que también suena muchísimo al Krautrock alemán con muchísimos mas elementos de otras corrientes rockerosas. Este disco es una demostración hermosa de sensibilidad pop y perfectos tintazos de elementos de electrónica sin olvidar, por supuesto, el rock y sus tres principales acordes, aunque en este último tema podemos apreciar una tendencia a experimentar tanto con esos tres acordes como con acordes de otros grados. Me trae recuerdos muy bonitos de cuando hice el servicio social, Micronomic, Grin and Bear y B-Movie eran mis canciones en esos tiempos.

45. Stars of the Lid – The tired sounds of…

Cd 1 (MF)

Cd 2 (MF)

NOOOOOOOOOOOO NOOOOOOOOOOOOOOOOO que discazooooooooo! Este disco me había dado como miedito compartirlo porque hasta la fecha no conozco a nadie mas (en persona) que le guste, a tooood@s a l@s que les recomendé el “tired sounds of…” siempre me dicen “no mames que aburrido” pero yo lo encuentro extremadamente hermoso. La música de Stars of The Lid se caracteriza principalmente por parecer ambient pero no es ambient, al menos no en su totalidad; tiene muchísimos elementos de música drone, música electrónica y sobre todo de la música académica conocida como minimalista aunque con algunas variaciones. Este álbum es un disco doble, conformado exclusivamente por piezas de corte drone y minimalista, a contrario de lo que se piensa tiene muy poco de electrónica y en realidad utilizaron muchos instrumentos comúnmente vistos en la música académica, utilizan guitarras eléctricas con diversos efectos, piano, flauta transversal, clarinete, trompeta y corno francés, ensamble de cuerdas y otros instrumentos siendo algunos de corte electrónico. La música tiene pequeñas progresiones pero son demasiado sutiles para apreciarlas si no se les pone atención, leí hace mucho una reseña en la que la persona los compara con “el movimiento de un iceberg desplazándose lentamente por el mar”, esa descripción me parece perfecta ya que a simple vista (en este caso “escuchada”) parece no haber gran cambio pero con unos audifonitos se aprecia un abanico extenso de elementos para apreciar, eso sin mencionar la belleza del sonido. En mi caso particular, llegué a este disco gracias al inmaculado SAW vol. II de Aphex Twin, fue una grata sorpresa enterarme que estaba creado con instrumentos de verdad y no de manera digital, en ese entonces iba en la preparatoria y TOOOOOOOOOOOOOOOOODOS los dias que regresaba de la escuela escuchaba este disco y escogía el camino mas largo para caminar y apreciarlo del todo antes de llegar al trabajo.

Hasta ahorita me di cuenta que esta parte de la lista quedó muy IDM, que chingona parte me cae xD